06 mayo, 2020

Un poco sobre Perfiles de Sevilla.


Hoy voy a compartir cómo se funda nuestra marca de Perfiles de Sevilla, itinerarios culturales y quién la dirige.

En primer lugar os voy a hablar de Isabel Fernández Verdugo. Ella fundó Perfiles de Sevilla con mucha valentía en el año 2013. Su experiencia anterior como archivera y documentalista le sirvió para dejar un importante sello de distinción en nuestra marca; el rigor histórico. Cada una de nuestras rutas están sólidamente documentadas para no faltar a la ciencia de la Historia ni al saber de nuestros clientes. Isabel, a la que muchos conoceréis, inició también la línea de itinerarios entorno a personajes de la Historia de Sevilla femeninos. Rescatando así a mujeres como Isabel La Católica o la leyenda de Carmen la Cigarrera en una ruta teatralizada. Ambas tuvieron un gran éxito de audiencia. Isabel es Lda. en Historia por la Universidad de Sevilla y actualmente ejerce de docente. Sus consejos para mi siguen siendo fundamentales.

La que escribe soy yo, Laura Gordillo Ramírez. Al poco de nacer Perfiles de Sevilla comencé a trabajar para Isabel como guía en sus rutas y dirigiendo la sección de visitas educativas y didácticas para acercar los monumentos a los más pequeños. Desde el primer momento me cautivó el enfoque que le daba Isabel a sus rutas. En la actualidad soy yo quién dirige esta marca. Quién me conoce sabe que lo hago con mucho entusiasmo y pasión. Crear un vínculo entre las personas y el patrimonio cultural es mi objetivo principal. Siento que mi formación como Historiadora del Arte, y mi larga experiencia de 12 años como guía y educadora de museos y patrimonio, permiten que está aventura se haga realidad. Sólo queda ver si esta crisis no nos vuelve a tumbar.
#somoscultura
#perfilesdesevilla

05 mayo, 2020

ALARMANTE ESTADO DE ABANDONO DE UNA ESCULTURA CLAVE DEL BARROCO ESPAÑOL.



Se acerca del Día de la Mujer, fecha fundamental en el calendario occidental para recordar a las olvidadas por la sociedad. Y se da el caso que este es un ejemplo más, y muy clarificador, del lugar que se le da a la mujer, en este caso, en la Historia del Arte. Me da la sensación que hay un sentir general en el que parece que nunca hemos sido artistas, y si lo fuimos pues fuimos casos raros, excepcionales y por supuesto de técnica mediocre.
Esa fue la única pieza que me enseñaron de Luisa Roldán en la carrera de Historia del Arte en una lección junto a otros grandes artistas del barroco español. Con esta pieza Luisa Roldán alcanzó el puesto de Escultora de Cámara de la Corte conquistando con su maestría y gran talento artístico al mismísimo rey Carlos II en 1692. El tamaño, la composición, el movimiento de los cuerpos, de las telas, los colores luminosos y complementarios, los rostros de los personajes, la energía que desprende es asombrosa. Y todo tallado en una pieza de madera. Luisa llegó a superar a muchos de sus contemporáneos en el registro de las expresiones del ser humano y en la sensibilidad a la hora de expresar diferentes estados de ánimo en sus personajes, desde la felicidad de un San José que ve caminar por primera vez a su hijo, hasta la más lamentable expresión de resignación y aceptación de Jesús atado en su Pasión.
A día de hoy, nos parece a muchos y muchas profesionales de la cultura sorprendente y escandaloso el estado de abandono y de desprecio con el que está colocada en la Basílica de San Lorenzo de El Escorial esta hermosa escultura. Se encuentra en un lugar muy elevado, en el que no hay acceso y sin iluminación tal y como se ve en la foto.
Me pregunto yo si esta obra hubiera estado firmada por Pedro Roldán su afamado padre, o por Pedro Duque Cornejo su también popular sobrino, si la hubieran colocado ahí también, o sin embargo en una capilla como el resto de las demás obras de arte que atesora el templo.
Es de rogar a las instancias que la tutelan que se hagan responsable de ella, la restauren y coloquen a la vista de todos para que la podamos disfrutar y poder ver de cerca.
Texto: Laura Gordillo Ramírez.

18 diciembre, 2016

ARTSevilla 2016 . Ideas que cambiarán el mundo. "Solo tengo rosa mis ganas de vivir"

El pasado miércoles 26 de octubre de 2016 en la llamada Plaza del Museo de Sevilla, frente al Museo de Bellas Artes, el color rosa lo cubrió todo. 8.000 folios se posaron en el mármol de la plaza, en los adoquines de la carretera  y hasta en los muros exteriores del museo.



El artista Paco Pérez Valencia y  la Historiadora del Arte Mercedes Delgado idearon esta explosión creativa para alumnos y alumnas del CEIP Maestro Antonio Reyes Lara de Gines y del Colegio Itálica  de Sevilla con motivo del evento ARTSevilla 2016.

Paco Pérez Valencia. 2016.


Fue un encuentro lleno de creatividad y entusiasmo que a día de hoy nos sigue generando una grata sorpresa a muchos de los que allí estuvimos. Darle la libertad a esto/as chico/as de colocar donde ello/as quisieran estos papeles, no solo les ofreció la oportunidad de echar una divertida mañana fuera del aula, sino que se les otorgó un momento para poder poner en valor sus propias iniciativas, sin directrices de lo/as adulto/as. Se les confió un espacio público para ser  intervenido por ello/as mismo/as.



Fue mágico el no saber qué iba a salir de allí, no saber que iban a construir con tantos papeles, cómo se iba a desarrollar el proceso. Y efectivamente, todo salió a pedir de boca. Ello/as se auto organizaron, resolvieron sus conflictos y dudas por sí mismo/as. El espacio mutó continuamente, fue increíble ver cómo fueron construyendo y desmontando para volver a construir. El rosa se extendió, se contrajo, se escondió y se esparció  hasta cubrirlo casi todo.

Con esta acción  lo/as alumno/as entraron de lleno en el concepto del arte contemporáneo y actual. Aprendieron que el arte también puede ser efímero, que las cosas efímeras son preciosas porque solo se perciben cuando existen, y su desaparición es la que le otorga  el sentido de haber sido una vez. Valores como estos, en una sociedad tan materialista, vieron la  luz en aquella mañana en un espacio público.

A este gran día le precedió una jornada de trabajo creativo en ambos colegios con los mismos alumno/as, con el objetivo de crear un preámbulo previo a la acción de los 8.000 folios rosa.

Laura Millán como Diseñadora Gráfica, Abraham  Parrón  como Museógrafo y yo, Laura Gordillo como Historiadora del Arte, nos presentamos en sus colegios para trabajar  desde la pura creatividad, con muy poco guión  y  mucha confianza en los jóvenes y el proceso.

Abraham les propuso ocupar el aire de líneas, con cinta aislante de colores dibujaron el espacio vacío entre marcos de ventanas y puertas. Descubriendo así el aire y  el espacio como un soporto pictórico o escultórico más.

Laura Millán partió de la obra de Paco Pérez Valencia, experimentando con otro material que no fuera la pintura para crear combinaciones de color y texturas diferentes con  lana de colores. No se le puso límites a la creación, surgieron unas obras muy expresivas y emotivas, llenas de energía y mensaje.

Yo les invité a  reflexionar sobre los sentimientos que provoca la pintura de Paco, partiendo de la idea que el arte puede ser un instrumento que nos ayude a preguntarnos a través de la creación cómo estamos, cómo nos sentimos y qué podemos expresar al mundo hoy. Tras esta primera observación sobre la función del arte actual les invité a crear lo que quisieran y como quisieran respondiendo a como se encontraban ello/as aquella mañana y qué les gustaría expresar. Hubo una cosa muy curiosa, y fue  reconocer que la obra no tiene porqué ser siempre bonita y hermosa, si ese día se sienten tristes o feos la obra saldría así, y sería igual de significativa.

Se dieron multitud de reflexiones interesantes que compartieron, dándonos a entender que esta iniciativa ya había valido la pena.





Los adultos solemos subestimar a  lo/as niños y niñas, pero al darles voz y oportunidad de acción se revela la realidad que no solemos ver. Las niñas y niños son capaces de más de lo que nos creemos, eso ya lo sabemos. Pero apenas le damos momentos de acción en su cotidianidad para que puedan hacer y deshacer por ello/as mismo/a. Y estos momentos de confianza son altamente beneficiosos ya que este simple hecho les puede aportar; autoestima, iniciativa propia, autonomía, y seguridad en sí mismo/as nada más y nada menos. A parte de un  satisfactorio momento para la concentración y el disfrute fuera de juicios e indicaciones.

Por esto y mucho más agradezco, a título personal,  la participación y la colaboración de estos dos centros educativos que no temen a la vitalidad y espontaneidad de las personas. Y al entusiasmo de Paco y Mercedes para generar momentos tan enriquecedores como estos.

"La imaginación es más importante que el conocimiento" Albert Eistein.



Laura Gordillo Ramírez. Texto y fotografía.


09 diciembre, 2016

Sobre educación creadora y no directiva en Museos y Patrimonio. Por Laura Gordillo en III Congreso Internacional - EducaThyssen Blog .

UNA ALTERNATIVA EDUCATIVA. RENDIRSE AL PÚBLICO Y CONFIAR EN EL PROCESO
October 19, 2016

Laura Gordillo Ramírez / Educadora de Patrimonio y Museos
Enlace directo III Congreso Internacional  Los Museos en la Educación:
 http://www.congreso.educathyssen.org/single-post/2016/10/19/UNA-ALTERNATIVA-EDUCATIVA-RENDIRSE-AL-P%C3%9ABLICO-Y-CONFIAR-EN-EL-PROCESO

La educación no directiva es una corriente pedagógica que desde hace décadas se viene desarrollando  en escuelas privadas y públicas en diferentes países europeos,  y  que de forma casi anecdótica podemos encontrar actualmente en España.  Los beneficios de este modo de aprendizaje son indiscutibles no solo en las niñas y los niños sino en todas las generaciones, pero su desconocimiento en este país es aún latente. Por su gran atractivo me cuestiono si es posible su aplicación en los museos, o si tiene sentido hacerlo como una forma de repensar el vínculo entre las personas y este.

Desde Schumacher College en Inglaterra, fundado por el pensador Sathis Kumar, se aplica este método para el acceso al conocimiento de las personas adultas que allí se forman cada año. En Europa hay otros dos magníficos ejemplos de educación no directiva y educación creadora, de los cuales podemos tomar ideas para aplicar en los museos. Uno se encuentra en la región de Reggio Emilia en Italia, donde aún perviven los principios que Loris Malaguzzi creó en las escuelas públicas infantiles con espacios y formatos diseñados para propiciar la creatividad, y cuya influencia podemos encontrar a día de hoy en la ciudad de Pamplona.  El otro gran ejemplo al que podríamos recurrir para inspirarnos es el que Arno Stern  creó en París en su pequeño taller artístico con una profunda comprensión del dibujo orgánico del ser humano.

Estos tres ejemplos nos hablan de la necesidad que hay presente pero invisible de tratarnos las personas de otra forma, rompiendo el muro que separa a educador/a de alumno/a, o a institución de público.  Este muro que históricamente ha permitido una comunicación entre ambos agentes de superior a inferior, desaparece en estos lugares para otorgarle al/la  usuario/a un trato horizontal, tenga la edad que tenga.

¿Dónde está  la clave y la diferencia? Para que este método se pueda aplicar lo fundamental es el papel que realiza el /la educador/a. Este/a  tiene que cambiar por completo, pasando de un primer plano a un plano casi invisible. Apenas se debe percibir su presencia en el espacio gracias a su ausencia de intervención. Lo que hay tras las bambalinas por no verse no deja de ser necesario en la función. Su roll  fundamental es el de acompañar en el proceso de aprendizaje, pero no el de enseñar nada. Estos acompañantes ofrecen los materiales y escenarios necesarios para el desarrollo de la actividad, pero las herramientas y las formas de usarlas parte de la decisión de lo/as usuario/as. En esta toma de decisión autónoma es donde se crea el aprendizaje.

Esta relación entre educador/a y usuarios es más que democrática, es simplemente respetuosa. Ya que en este proceso no existen los juicios de valor, no existe la prisa, no importa el resultado sino el momento disfrutado y dedicado. Y por supuesto la creatividad, que no es fomentada porque ya existe,  sencillamente se cuida.

En resumidas cuentas,  con este formato se invita a que las personas expresen y compartan  libremente en espacios y momentos diseñados para  la autenticidad  y el bienestar en una sociedad llena de prejuicios e insatisfacciones. Por todo esto y  más, que mejor que un museo o sitio patrimonial para aplicar esta fórmula.



Liliwalk- 2016. Un itinerario para descubrir en familia la música que nace en la calle.

Una colaboración entre Jane's walk y Laura Gordillo. 
Liliwalk
Músicas de barrio, sonidos de ciudad 

El pasado sábado 3 de Diciembre, en el marco de la 3ª Edición del Lilifest tuvo lugar el Liliwalk, un paseo que pretendía poner en relación a vecinos del Centro con lugares de producción musical y así trazar una geografía sonora de los barrios de San Román, San Julián, Santa Catalina y San Pedro, reflexionando al mismo tiempo sobre los lugares donde reside la música en nuestras ciudades.

Pensado especialmente para todos los públicos durante una hora recorrimos locales de ensayo, de actuación o talleres de artistas con el objetivo de plantear una serie de sencillas preguntas a los asistentes que nos permitirán profundizar en la forma en la que la música se crea, se produce, se vende y se consume.


Si quieres leer más pincha aquí, 
http://www.janeswalksevilla.com/2016/12/liliwalk-musicas-de-barrio-sonidos-de.html


29 agosto, 2016

La importancia de los proyectos educativos estables por Rufino Ferreras- Educación Museo Thyssen Bornemisza.


Rufino Ferreras señala en este artículo del Blog del III Congreso Internacional Los Museos en la Educación, las consecuencias de no tener un equipo estable y cohesionado en los departamentos educativos de los museos. Esta falta de interés de las instituciones hacia este servicio indispensable de los museos no solo afecta a la precariedad laboral del sector sino a los resultados cara al público y en general a  la calidad del servicio de los museos.

De una forma sencilla y clarificadora Rufino Ferreras hace público un asunto social y laboral apenas visibilizado.

Enlace directo:

LA IMPORTANCIA DE LOS PROYECTOS EDUCATIVOS ESTABLES
May 23, 2016
|
Rufino Ferreras / Museo Thyssen-Bornemisza
No cabe duda de que uno de los debates más candentes en los últimos años en torno a la educación en los museos, es el de la situación y consideración de sus profesionales. Más allá de cuestiones éticas sobre la situación de estos trabajadores, de asuntos morales que hablan sobre el derecho de toda persona a tener un trabajo estable y un salario digno, la situación refleja el nulo interés que estas instituciones tienen, no solamente sobre la situación de estas personas, sino especialmente el que tienen hacia la que es una de las consideradas funciones de los museos.

Pero la cuestión de la precariedad y del desmantelamiento de lo educativo como función, ya ha sido tratado en muchas ocasiones. En esta entrada lo que quiero poner de manifiesto es que esa precariedad conlleva la precarización de los proyectos y por tanto de la función: sin equipos de trabajo estables, sin proyectos a largo plazo, lo educativo en estas instituciones puede quedarse solamente en lo testimonial y desde lo testimonial solamente hay un paso a lo anecdótico.

A mi modo de ver, uno de los problemas en la consolidación de la educación en museos, ha sido concebir las acciones como puntuales y aisladas unas de otras. De este modo, al no estar inscritas en un proyecto amplio, en una programación de ambiciones más globales, ha sido muy complicado una argumentación sólida del hecho educativo y la reflexión, al centrarse en momentos puntuales y no en procesos, no ha sido lo suficientemente profunda.

Pero para poder desarrollar proyectos educativos a largo plazo, es imprescindible la creación de equipos educativos estables. Un equipo estable, puede hacer un seguimiento del proceso educativo con la perspectiva del tiempo, evaluar los procesos de transformación y ajustar la maquinaria para hacer más efectiva su labor. Un equipo estable puede diseñar los proyectos de una manera estratégica, conectando las acciones unas con otras e imbricando estas con el resto de acciones generadas en la institución. Un equipo estable, apuesta por la madurez profesional de los educadores y pone en valor su experiencia, cosa que redunda en una mejor calidad de lo educativo.


Pero los equipos estables nunca deben ser equipos inmovilistas o cerrados. Una de las críticas que se suelen hacer a este tipo de equipos es que tienden a acomodarse, como si ese fuera un problema solamente de los profesionales y no de las instituciones que deben ser ser capaces de generar espacios de trabajo motivadores y proyectos ilusionantes para los equipos.

23 julio, 2016

No conozco a esta artísta, Quién coño es?



Con esta pregunta,  la iniciativa Quien coño es? delata la invisibilización que existe de la mujer también en  el ámbito del Arte y la Cultura en general. Un sin fín de carteles nos ilustran sobre la vida y obra de tantas artistas ofreciéndonos respuesta a esta pregunta,  y construyendo a día de hoy una Historia del Arte inacabada.

Proponen una forma muy fácil para participar en la visibilización de tantas mujeres artistas ignoradas en las universidades, en en la prensa, espacios culturales y  editoriales.

Para saber más  de esta apasionante iniciativa te recomiendo que visites el blog.

http://quienconoes.blogspot.com.es/

Y a disfrutar!